(English Version) Brouwer 80' - Quaternaglia released a Brouwer's new work

Quaternaglia – Photo: Gal Opido

The renowned Quaternaglia (http://quaternaglia.com.br) has just released a new work by Leo Brouwer, at the Bahia dos Vermelhos Cultural Center festival in Ilha Bela (SP) - on 4th August. As a result of an order from Quaternaglia to Brouwer, received last June, the group now has a year of exclusivity with the piece, being in the future published by Espiral Eterna Ediciones. The work ¡Así era la Dancita Aquella! (Divertimento), in a unique movement, will integrate the group's new CD and join the celebrations of the 80th anniversary of Leo Brouwer in 2019. The relationship of the Quaternaglia with the Cuban composer is long-standing (see details in Sidney Molina interview for Concerto magazine http://www.concerto.com.br/noticias/musica-classica/quaternaglia-estreia-em-ilhabela-obra-do-compositor-leo-brouwer-leia) and it is undoubtedly one of the musical bridges of Brazil and Cuba.

The new CD of that chamber group, which has already turned 25 years, will have, in addition to Brouwer’s premiere, arrangements of works by Leonard Bernstein and Astor Piazzolla (from an original string quartet) and an unpublished recording - "Memorial para um regreso"- by Javier Farías (see here the excellent video of this work on GuitarCoop https://guitarcoop.com.br/en/).

Now, let's talk to Sidney Molina of the Quaternaglia.

Teresinha Prada (TP) - Sidney, Quaternaglia–25 years, is there a recipe for that longevity? What is the secret of that success? What must be fundamental in this relationship...
Sidney Molina (SM) - The first secret is the relationship between people, the willingness to play together, to learn with the other, rehearsals. We always believe that chamber music can be one of the most precious musical practices that exist, but that happens, for us, by such a meticulous work and as much involvement as that of the solo one, and it doesn’t happen just thinking about the stage: there’s affinity, and also friendship between musicians who intend to build a unique sound from four hearts. The second secret is, of course, the activity itself. The quartet never stopped playing, recording, thinking new projects, dreaming. It's what keeps him alive ... and young!


(TP) - The work "Memorial para un regreso" especially dedicated to Quaternaglia by the Chilean Javier Farías (based in Washington D.C.) has a strong point with Latin American literature. Explain a bit about the author and this piece, as you classify it in contemporary trends... In addition, I’ve had an impression listening the resulting sounds linked to the titles of the "Memorial ..." that Farías wants to reintegrate our past (Latin American) to the present. In such difficult times, a work like this is positioned in favour of dialogue, right? - Talk a little about it.
(SM) - You touch on a fundamental point, and I think there have been factors such as those that determined the artistic approach between Javier Farías and Quaternaglia. I would like to emphasize that we (still) don’t know each other personally; the piece was born from an exchange of exclusively artistic, musical (and also literary) experiences, among us. Javier Farías won the main composition contests for the guitar of the world, has received various orders and prestigious academic scholarships for the composition of new pieces, and although not yet well known in Brazil, has many works published and is quite played by the guitarists for the world. Memorial para un regreso is part of his project dedicated to the 6 Latin American writers who won the Nobel Prize for Literature, in which eminent international guitarists participate. The work dedicated to the Quaternaglia has 3 movements, with more than 15 minutes in total, and is inspired by Pablo Neruda. At the same time that it tends to references to current issues, the movements are inspired by passages from Neruda's life: "Brava mar" is the poet's relationship with the sea, specifically with the Chilean Pacific near Isla Negra, where he built his house and he is buried; "Spain in the heart" deals with the role of the poet as a defender of human rights, with the personal help he offered to friends (like Lorca) during the Spanish Civil War, it is a very painful music; and the title "Exile" of the third movement, which speaks for itself, evokes the implacable persecution to which the poet was victim when, in the 1940s, he was Senator of the Republic for the Chilean Communist Party.


(TP) - Sidney, going back to talking about Brouwer, I saw in your interview for the Concerto magazine how you described that new work ... the Brouwerian traces, but I'm curious about the title - is the theme emerged to the composer's memories? What is the story?
(SM) - Our relationship with Brouwer, cultivated over many years – in which we recorded his original pieces for guitar quartet on our first CD, which went through the prize in the International Competition of Havana, the premiere in Brazil of his two concerts, our solo performance under his regency with different orchestras here and abroad, and that culminates with the work dedicated to us – always had humorous moments. In addition to the seriousness and rigor in the work, Brouwer is always very happy in the moments in which we live together. As we are here in a written media, and with the admiration I have for your work as a guitarist, teacher, researcher and journalist, I take the liberty of transcribing, at first-hand for this blog, in the original in Spanish, the text that he himself sent us about the title of the new piece:

“En un Festival Leo Brouwer de Música de Cámara elaboré una danza cubana que ya existía en mi Trio (de título Sones y Danzones) y le hice partes a un segundo cello y a una flauta para que dos excelentes solistas se divirtiesen un poco con el Brouwer Trio de Valencia, España. En uno de los ensayos traté de recordar el título de la contradanza de Manuel Saumell (s.XIX) que dio origen a uno de los movimientos de mi Trio, Cómo se llamaba la dancita aquella?... y uno de los músicos dijo con gracia: dancita? jaja...! Así nace este título para el divertimento compuesto para Quaternaglia en el que desarrollo formantes rítmicos similares. Algunas células podrían ser comunes a músicas de nuestra América, siempre decantado por lo africano llegado a estas tierras.
Leo Brouwer.”  

["In a Leo Brouwer Chamber Music Festival I elaborated a Cuban dance that already existed in my Trio (title Sones and Danzones) and I made parts to a second cello and a flute so that two excellent soloists had a little fun with the Brouwer Trio of Valencia, Spain. In one of the essays I tried to remember the title of the contradanse of Manuel Saumell (s.XIX) that gave rise to one of the movements of my Trio, what was the dancita called that? ... and one of the musicians said with grace: dancita? LOL...! This is how this title was born the divertimento for Quaternaglia in which I develop similar rhythmic formations. Some cells could be common to music of our America, always decanted by the African who came to these lands.
Leo Brouwer."]



(TP) - The Quaternaglia returns to Havana then in March 2019 for the Brouwer 80? How is the group's 2018-2019 agenda?
(SM) - This year is particularly intense for us. It began with an American tour and the world premiere of the piano quintet Song of the Universal, based on the poem by Walt Whitman, by Sérgio Molina, with the pianist James Dick. We followed our premiere as soloists of the Philharmonic Orchestra of Minas Gerais, in the new hall Sala Minas Gerais, presentations in the Sala Cecília Meireles (Rio de Janeiro), in the series of Cultura Artística in the MuBE (Brazilian Museum of Sculpture and Ecology, at São Paulo City), Baía de Vermelhos Festival, in the new hall SESC Paulista Avenue, back to Rio de Janeiro in the BNDES Auditorium, and the CD’s recording in the middle of all that ... We still await several important confirmations for 2019, and we hope that it will be a very intense year too!

(TP) - Thank you for the collaboration! And Leo Brouwer's first-hand text!



Mais:

Quaternaglia’s Entry in the Acervo Digital do Violão Brasileiro Encyclopaedia (Brazilian Guitar Digital Archives):
http://violaobrasileiro.com/dicionario/visualizar/quaternaglia-guitar-quartet


Quaternaglia’s Schedule:
http://quaternaglia.com.br/all-events/2018-2/


---
See news about Brouwer 80'
 http://musicacontemporaneaparaviolao.blogspot.com/p/brouwer-80.html

(Versión en Castellano) Brouwer 80' – Quaternaglia estrena obra de Leo Brouwer

Quaternaglia – Foto: Gal Opido

El renombrado Quaternaglia (http://quaternaglia.com.br) acaba de estrenar una nueva obra de Leo Brouwer, en el festival del Centro Cultural Bahía dos Vermelhos en Ilha Bela (SP) - fue el 4 de agosto.
Fruto de un pedido del Quaternaglia a Brouwer, recibida en junio pasado, el grupo tiene ahora un año de exclusividad con la pieza, siendo en el futuro publicada por la Espiral Eterna Ediciones. La obra ¡Así era la Dancita Aquella! (Divertimento), en movimiento único, integrará el nuevo CD del grupo y se sumará a las celebraciones de los 80 años de Leo Brouwer en 2019. La relación del Quaternaglia con el compositor cubano viene de larga data (ver detalles en entrevista de Sidney Molina a revista Concerto http://www.concerto.com.br/noticias/musica-classica/quaternaglia-estreia-em-ilhabela-obra-do-compositor-leo-brouwer-leia) y es sin duda uno de los puentes musicales de Brasil y Cuba.
El nuevo CD de ese grupo de cámara, que ya cumplió 25 años, tendrá, además de Brouwer, arreglos de obras de Leonard Bernstein y Astor Piazzolla (de una obra original para cuarteto de cuerdas) y una grabación inédita - "Memorial para un regreso "- de Javier Farías (vea aquí el primoroso video de la obra en la GuitarCoop https://guitarcoop.com.br/en/).
Ahora vamos a hablar con Sidney Molina del Quaternaglia.

Teresinha Prada (TP) - Sidney, 25 años de Quaternaglia, hay receta para esa duración? ¿Cuál es el secreto de ese éxito? Lo que debe ser fundamental en esta relación ...
Sidney Molina (SM) - El primer secreto es la relación entre las personas, la voluntad de tocar juntos, de aprender con el otro, de ensayar. Siempre creemos que la música de cámara puede ser una de las más preciosas prácticas musicales que existen, pero eso pasa, para nosotros, por un trabajo tan minucioso y de tanto envolvimiento como el del solo, y eso no se hace pensando únicamente en el tablado: de haber afinidad, e incluso amistad entre músicos que se proponen a construir un sonido único a partir de cuatro corazones. El segundo secreto es, por supuesto, la propia actuación. El cuarteto nunca paró de tocar, de grabar, de pensar nuevos proyectos, de soñar. Es lo que lo mantiene vivo ... y joven!

(TP) - La obra "Memorial para un regreso" especialmente dedicada a ustedes por el chileno Javier Farías (radicado en Washington D.C.) tiene un fuerte punto con la literatura latinoamericana. Explique un poco sobre el autor y esa pieza, como usted la clasifica en tendencias contemporáneas ... Además, tuve impresión por las resultantes sonoras enlazadas a los títulos del "Memorial ..." que Farías quiere reintegrar nuestro pasado (latinoamericano) al presente. En tiempos tan difíciles, una obra como ésta se posiciona a favor del diálogo, ¿no? - hable un poco al respecto.
(SM) - Usted toca en un punto fundamental, y creo que han sido factores como los que determinaron la aproximación artística entre Javier Farías y Quaternaglia. Me gustaría enfatizar que nosotros (todavía) no nos conocemos personalmente, la pieza nació de un intercambio de experiencias exclusivamente artísticas, musicales (y también literarias), entre nosotros. Javier Farías venció los principales concursos de composición para la guitarra del mundo, ha recibido diversos pedidos y prestigiosas becas académicas para la composición de nuevas piezas, y aunque aún no muy conocido en Brasil, tiene muchas obras editadas y es bastante tocado por los guitarristas por el mundo. Memorial para un regreso forma parte de su proyecto dedicado a los 6 escritores latinoamericanos ganadores del Premio Nobel de Literatura, en el que participan eminentes guitarristas internacionales. La obra dedicada al Quaternaglia tiene 3 movimientos, con más de 15 minutos de duración en total, y se inspira en Pablo Neruda. Al mismo tiempo que tiende a referencias a cuestiones actuales, los movimientos se inspiran en pasajes de la vida de Neruda: "Brava mar" es la relación del poeta con el mar, específicamente con el Pacífico chileno cerca de Isla Negra, donde construyó su casa y está enterrado; "España en el corazón" trata del papel del poeta como defensor de los derechos humanos, a la ayuda personal que ofreció a amigos (como Lorca) durante la Guerra Civil Española, es una música muy dolorida; y el título "Exilio", del tercer movimiento, que habla por sí mismo, evoca la persecución implacable a la que el poeta fue víctima cuando, en los años 1940, era Senador de la República por el Partido Comunista Chileno.

(TP) - Sidney, volviendo a hablar de Brouwer, vi en su entrevista a la Revista Concerto como usted describió esa nueva obra ... los rasgos brouwerianos, pero tengo curiosidad por el título - ¿el tema se cría a memorias del compositor? ¿Cuál es su historia?
(SM) - Nuestra relación con Brouwer, cultivada a lo largo de muchos años - en la que grabamos sus piezas originales para cuarteto de guitarras en nuestro primer CD, que pasó por el premio en el Concurso Internacional de La Habana, por el estreno en Brasil de sus dos conciertos, por nuestra actuación solista bajo su regencia con diferentes orquestas aquí y en el exterior, y que culmina con esa obra dedicada a nosotros tuvo siempre momentos humorísticos. Además de la seriedad y rigor en el trabajo, él siempre es muy alegre en los momentos en que convivimos. Como estamos aquí en un medio escrito, y con la admiración que tengo a su trabajo como guitarrista, profesora, investigadora y periodista, tomo la libertad de transcribir, de primera mano para este blog, en el original en español, el texto que él mismo nos envió sobre el título de la nueva pieza:

“En un Festival Leo Brouwer de Musica de Cámara elaboré una danza cubana que ya existia en mi Trio (de título Sones y Danzones) y le hice partes a un segundo cello y a una flauta para que dos excelentes solistas se divirtiesen un poco con el Brouwer Trio de Valencia, España. En uno de los ensayos traté de recordar el título de la contradanza de Manuel Saumell (s.XIX) que dio origen a uno de los movimientos de mi Trio, Cómo se llamaba la dancita aquella?... y uno de los músicos dijo con gracia: dancita? jaja...! Así nace este título para el divertimento compuesto para Quaternaglia en el que desarrollo formantes rítmicos similares. Algunas células podrían ser comunes a músicas de nuestra América, siempre decantado por lo africano llegado a estas tierras.

Leo Brouwer”

 
(TP) - El Quaternaglia regresa a La Habana entonces en marzo de 2019 para el Brouwer 80? ¿Cómo está la agenda del grupo 2018-2019?
(SM) - Este año es particularmente intenso para nosotros. Que se inició con gira norteamericana y el estreno mundial del quinteto con piano Song of the Universal, a partir del poema de Walt Whitman, de Sérgio Molina, con el pianista James Dick. Se siguió nuestro estreno como solistas de la Orquesta Filarmónica de Minas Gerais, en la nueva Sala Minas Gerais, presentaciones en la Sala Cecília Meireles (Rio de Janeiro), en la serie Cultura Artística en el MuBE, Festival de Vermelhos, en el nuevo SESC Avenida Paulista, de vuelta a Río de Janeiro en el Auditorio del BNDES, y la grabación del CD en medio de todo eso... Todavía aguardamos varias confirmaciones importantes para 2019, y esperamos que sea un año bien intenso también!

(TP) –¡Gracias por la colaboración! Y por el texto de primera mano de Leo Brouwer!



Más:

Verbete del Quaternaglia en la Enciclopedia del Acervo Digital do Violão Brasileiro:
http://violaobrasileiro.com/dicionario/visualizar/quaternaglia-guitar-quartet
 
Agenda del grupo:
http://quaternaglia.com.br/all-events/2018-2/


Más aqui:
http://musicacontemporaneaparaviolao.blogspot.com/p/brouwer-80.html 

Brouwer 80' – Quaternaglia estreia obra de Leo Brouwer

Quaternaglia – Foto : Gal Opido 

 Formado pelos exímios violonistas Christian Dozza, Fabio Ramazzina, Thiago Abdalla e Sidney Molina, o renomado Quaternaglia (http://quaternaglia.com.br) acaba de estrear uma nova obra de Leo Brouwer, no festival do Centro Cultural Baía dos Vermelhos em Ilha Bela (SP) – foi a 4 de agosto.

 Fruto de uma encomenda do Quaternaglia a Brouwer, recebida em junho passado, o grupo tem agora um ano de exclusividade com a peça, sendo futuramente publicada pela Espiral Eterna Ediciones. A obra ¡Así era la Dancita Aquella! (Divertimento), em movimento único, integrará o novo CD do grupo e irá se somar às celebrações dos 80 anos de Leo Brouwer em 2019. A relação do Quaternaglia com o compositor cubano vem de longa data (veja detalhes em entrevista de Sidney  Molina à Revista Concerto http://www.concerto.com.br/noticias/musica-classica/quaternaglia-estreia-em-ilhabela-obra-do-compositor-leo-brouwer-leia) e é, sem dúvida, uma das pontes musicais de Brasil e Cuba.

 O novo CD desse grupo de câmara, que já completou 25 anos, terá, além de Brouwer, arranjos de obras de Leonard Bernstein e Astor Piazzolla (de uma obra original para quarteto de cordas) e mais uma gravação inédita – "Memorial para un regreso" – de Javier Farías (veja aqui o primoroso video da obra na GuitarCoop https://guitarcoop.com.br/en/).

Vamos agora conversar com Sidney Molina do Quaternaglia.

 Teresinha Prada (TP) – Sidney, 25 anos de Quaternaglia, existe receita para essa duração? Qual o segredo desse sucesso? O que deve ser fundamental nessa relação...

Sidney Molina (SM) – O primeiro segredo é a relação entre as pessoas, a vontade de tocar junto, de aprender com o outro, de ensaiar. Sempre acreditamos que a música de câmara pode ser uma das mais preciosas práticas musicais que existem, mas ela passa, para nós, por um trabalho tão minucioso e de tanto envolvimento quanto o do solo, e isso não se faz pensando apenas no palco: tem de haver afinidade, e mesmo amizade entre músicos que se propõem a construir um som único a partir de quatro corações. O segundo segredo é, claro, a própria atuação. O quarteto nunca parou de tocar, de gravar, de pensar novos projetos, de sonhar. É o que o mantém vivo...e jovem!

(TP) – A obra “Memorial para un regreso” especialmente dedicada a vocês pelo chileno Javier Farías (radicado em Washington D.C.) tem um forte viés com a literatura latino-americana. Explique um pouco sobre o autor e essa peça, como você a classifica em tendências contemporâneas… Outrossim, tive impressão pelas resultantes sonoras enlaçadas aos títulos do “Memorial...” que Farías quer reintegrar nosso passado (latino-americano) ao presente. Em tempos tão difíceis, uma obra como essa se posiciona a favor do diálogo, não? – fale um pouco a respeito.

(SM) – Você toca em um ponto fundamental, e acredito que tenham sido fatores como esses que determinaram a aproximação artística entre Javier Farías e Quaternaglia. Gostaria de enfatizar que nós (ainda) não nos conhecemos pessoalmente, a peça nasceu de uma troca de experiências exclusivamente artísticas, musicais (e também literárias), entre nós. Javier Farías venceu os principais concursos de composição para violão do mundo, tem recebido diversas encomendas e prestigiosas bolsas acadêmicas para composição de novas peças, e, embora ainda não muito conhecido no Brasil, ele tem muitas obras editadas e é bastante tocado pelos violonistas pelo mundo afora. Memorial para un regreso faz parte de seu projeto dedicado aos 6 escritores latino-americanos ganhadores do Prêmio Nobel de Literatura, do qual participam eminentes violonistas internacionais. A obra dedicada ao Quaternaglia tem 3 movimentos, com mais de 15 min de duração no total, e inspira-se em Pablo Neruda. Ao mesmo tempo em que tangenciam referências a questões atuais, os movimentos inspiram-se em passagens da vida de Neruda: “Brava mar” é a relação do poeta com o mar, especificamente com o Pacífico chileno próximo de Isla Negra, onde construiu sua casa e está enterrado; “España en el corazón” trata do papel do poeta como defensor dos direitos humanos, à ajuda pessoal que ofereceu a amigos (como Lorca) durante a Guerra Civil Espanhola, é uma música muito dolorida; e o título “Exilio”, do terceiro movimento, que fala por si, evoca a perseguição implacável a que o poeta foi vítima quando, nos anos 1940, era Senador da República pelo Partido Comunista Chileno.

 (TP) – Sidney, voltando a falar do Brouwer, vi em sua entrevista à Revista Concerto como você descreveu essa nova obra… os traços brouwerianos, mas fiquei curiosa pelo título – o tema remonta a memórias do compositor? Qual a história dela?

(SM) – A nossa relação com Brouwer, cultivada ao longo de muitos anos – em que gravamos suas peças originais para quarteto de violões em nosso primeiro CD, que passou pelo prêmio no Concurso Internacional de Havana, pela estreia no Brasil de seus dois concertos, pela nossa atuação solista sob a regência dele com diferentes orquestras aqui e no exterior, e que culmina com essa obra dedicada a nós teve sempre momentos bem-humorados. Para além da seriedade e rigor no trabalho, ele sempre é muito alegre nos momentos em que convivemos! Como estamos aqui numa mídia escrita, e com a admiração que tenho ao seu trabalho como violonista, professora, pesquisadora e jornalista, tomo a liberdade de transcrever, em primeira mão para este blog, no original em espanhol, o texto que ele mesmo nos enviou sobre o título da nova peça:

“En un Festival Leo Brouwer de Musica de Cámara elaboré una danza cubana que ya existia en mi Trio (de título Sones y Danzones) y le hice partes a un segundo cello y a una flauta para que dos excelentes solistas se divirtiesen un poco con el Brouwer Trio de Valencia, España. En uno de los ensayos traté de recordar el título de la contradanza de Manuel Saumell (s.XIX) que dio origen a uno de los movimientos de mi Trio, Cómo se llamaba la dancita aquella?... y uno de los músicos dijo con gracia: dancita? jaja...! Así nace este título para el divertimento compuesto para Quaternaglia en el que desarrollo formantes rítmicos similares. Algunas células podrían ser comunes a músicas de nuestra América, siempre decantado por lo africano llegado a estas tierras.

Leo Brouwer”

(TP) – O Quaternaglia retorna a Havana então em março de 2019 para o Brouwer 80? Como está a agenda do grupo 2018-2019?

(SM) – Este ano está particularmente intenso para nós. Iniciou com turnê norte-americana e a estreia mundial do quinteto com piano Song of the Universal, a partir de poema de Walt Whitman, de Sérgio Molina, com o pianista James Dick. Seguiram-se a nossa estreia como solistas da Orquestra Filarmônica de Minas Gerais, na nova Sala Minas Gerais, apresentações na Sala Cecília Meireles (RJ), na série Cultura Artística no MuBE, Festival de Vermelhos, no novo SESC Avenida Paulista, de volta ao Rio de Janeiro no Auditório do BNDES, e a gravação do CD em meio a tudo isso... Ainda aguardamos várias confirmações importantes para 2019, e esperamos que seja um ano bem intenso também!

(TP) Grata pela colaboração! E pelo texto em primeira mão de Leo Brouwer!

Mais:

Verbete do Quaternaglia na Enciclopédia do Acervo Digital do Violão Brasileiro:

http://violaobrasileiro.com/dicionario/visualizar/quaternaglia-guitar-quartet

Agenda do grupo:
http://quaternaglia.com.br/all-events/2018-2/

------

Saiba mais sobre comemorações dos 80 anos de Brouwer aqui:
http://musicacontemporaneaparaviolao.blogspot.com/p/brouwer-80.html

(English version) Search for Sonorities - 3rd. Part - Daniel Murray

Daniel Murray, multifaceted guitarist. Photo: Gal Opido

Today, having a conversation with Daniel Murray (São Paulo, 1981-), a multifaceted guitarist, who has a dozen phonographic works, a soloist with the varied camera music and ... with the machine - Murray has already worked on the sound issue mainly by the CD productions Universos Sonoros Para Violão e Tape [for guitar and Tape] and Universos em Expansão (Expanding Universes]. With a Master's Degree in Music, this talented and award-winning guitarist is also a composer, performing in Brazil and regularly abroad. An up-to-date artist, Murray appears on digital platforms such as MIDEM Festival and Classical: Next, also he’s on many internet fronts and maintains a pulsating solo career in parallel with works as the acclaimed Trio Opus 12 (with Paulo Porto Alegre and Christian Dozza); the Duo Saraiva-Murray and a continuous focus in Brazilian music with Michala Petri (recorder) and Marilyn Masur (percussion). Murray has crossed paths with a sophisticated gallery of names of the musical scene and his effort of artistic production is nourished by the positive and determined look on the present and future of instrumental and concert music.

Teresinha Prada (TP)Daniel, what’s the importance of Timbre in your technique? In your studies / essays, do you usually approach the Timbre?

Daniel Murray (DM)For me the search for sound appears in the first contact with the material. It’s what defines fingerings, for example. I think that fingering can be considered one of the fundamental aspects for the sonorities choice. So, to do a musical score already fingered by another performer means to wear “clothes that fit well to other person". I think it’s interesting to "put on that clothes" as it gives clues to understand what the other's interpretation would be. However, perhaps it takes us away from a personal interpretation that would be the musical understanding expressed by the unfolding of the sonority or timbre(the sum of different elements), and that is revealed over time. I think that the tempo’s chose influences how we perceive the timbre – how we articulate the rhythms and where we play the notes, considering that in the guitar there are different possibilities. When I start studying a work, I go through all that. It seems very good to allow me to experiment several possibilities before having something very defined. I like to listen to all the available recordings. To cite an example: in a work like Sequenza XI by Luciano Berio, it’s interesting to perceive the differences in the total time of each interpretation and how the versions of the most violent colour are shorter than the most contemplative ones – as a result of choices made at the beginning of the piece, where the material that is going to be worked is located. The reading of that material and the understanding of it through sound and the choice of timbre influence the total duration of that interpretation, which is the unwinding of the sonority. Everything is connected.

(TP)Do you think that extended technique studies come into (or have already did?) the list of guitarists techniques? 

(DM)I think it’s a matter of time till arise more methods, easy pieces, new "simple studies" that deal with musical issues and techniques not so frequented by the young students of "classical guitar". I think it's in our hands to create that kind of material. I believe that the so-called "extended techniques" will enter the list of techniques practiced by everybody; mainly techniques that work better or can be applied not only to many compositions and studies, but also other works repertoire interpretation that don’t foresee such techniques. Until not long ago, play with the thumb of the L.H. (left hand), fingering the fretboard was not common for guitarists (since for guitarists [of the Classic] it’s something more recurrent, I’m referring to the thumb above the fretboard to play bass while the other fingers of the L.H. deal with some melody or chord). This type of technique is found as an exception and almost optional, e.g. Choro da Saudade by Agustín Barrios (depending on the size of the hand or the guitar) and some examples (mentioned in the previous parentheses), in the case of guitarists-composers of the Classical period (taking into account also the smallest body of the "romantic guitar”). I don’t remember finding something similar in Renaissance tablatures, but I cannot say. So, today we have the wonders done with the thumb of L.H. by Guinga and Marcos Tardelli. If we start using here and there, soon we may have a finger named “5” in a method like "Ciranda das Cordas" [method of beginners well known in Brazil, by Henrique Pinto]. But it’s really in our hands.

(TP)What can you say about the connotations, the value judgment of some sounds, from the audiences? You’ve already played that repertoire innumerable times and places - the strangeness (in the reception) persists? Have you noticed changes? 

(DM)In a performance everything depends on your relationship with the public. You don’t expect to hear a siren inside a concert hall - and this is an incredible deed of Varèse. And that is how it should be. That's the idea. Some videos that I’ve shared on social networks receive incredibly violent comments from haters (I think they are unpleasant people who lack things to do). So violent that I wouldn’t reproduce. And some people say that nowadays it’s impossible to receive boos, as on the premiere of the Rite of Spring... Don’t be discouraged! If everything goes right, we'll get there! Haters aside, I rather prefer the reaction (of displeasure, surprise or oddness) than the monotony (of who already seems to know everything that is going to happen).The music is the great winner. Playing or working contemporary music with children is a wonderful experience. I had the opportunity to hold 12 workshops through the Proac [government promotion of culture] with the piece Happy days II by Arthur Kampela. There were 50 to 150 children from public schools in various states. If a good relationship is established everything becomes a great playful game. Technology, for example, is extremely attractive. After the presentation of the piece, I asked them "what do you think?" After a certain moment of shyness, many of them get the best word out of their vocabulary of the top hat. Occasionally one that didn’t like had the courage to speak. The comment used to be always the same "where is the rhythm that I was used to?" And never of discomfort with the asperities of the proposed sonorities.

(TP)You have had dedications and premieres of many works, how do you feel that 21^st century music for the guitar will be established? What's next step? For example, very unique, strong works, or a hybrid of several trends... 

(DM)I don't know how to answer this question. I feel privileged to be able to work with the authors. Everything I've recorded meant a step forward, an apprenticeship. It is the union through music that is very good. The feedback doesn’t always have to be positive. It is an experience that makes you truly understand yourself as a performer. As for what is coming, I don't know how to respond, but I pretend to be here.

(TP)Authors who use the sound material in their compositional ideas for the guitar, could enter the sphere of research and practice, which would promote the guitar’s possibilities knowledge to them, going to meet or moving away from the language of the instrument. How do you see this question of “idiomatic” in current works – or even historical works – and if there’s a liaison with complexity = less idiomatic ... or there is something beyond that ... 

(DM)The idiomatic can be found by the performer through his technical devices. Returning a little in the previous question, it is how the commissions end up being worked. The idiomatic is changing as well as the harmonies, the rhythms, the instruments. I find it hard to say that this can define a composer's language (less or more complex). However, those idiomatic already known from other times, when reused, can refer to those who "created" it, so to speak. I think that the idiomatic for the composer or performer is something that is found in order to express something, which may be less or more complex.

(TP)Daniel, what about the academy? Did you deal with contemporary music in your Master's Degree [Extended techniques for guitar: hybridization and parameterization of ways to play, 2013,http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285299]. What livingness did you already have before your Master's thesis with extended techniques theme for the guitar? 

(DM)It was an incredible experience to be guided by [José Augusto] Mannis at Unicamp (University of Campinas - São Paulo / Brazil). I am very grateful. The most difficult thing was finding the right way to write. At the final stage, we use fragments of videos and scores allied to the textual list generated by the parameterization of the movements. We have made an analysis through the deconstruction of the gesture in lists and more lists of movements used for small fragments of the compositions where we find a mixture of two or more coordinated techniques. My previous experience in that sense was a end-of-course writing paper in the FASM [Faculdade Santa Marcelina – art college in São Paulo City] titled Epigraph on a sonorous universe of the 21^stcentury. I think the first piece that I’ve played that demanded different things from the more traditional way was an arrangement of the Valsa Brasileira by Edu Lobo and Jongo by Paulo Bellinati. In the Paulo’s arrange of Valsa there was a rather personal way of "hybridization" of artificial harmonics and natural notes. I was 14, 15 years old. I got to know Flo Menezes musical work at that time through my cousin Guga Murray who was studying composition at UNESP [state university in São Paulo]. When listening to Studio PanAroma discsI was trying to imitate some sounds on the guitar, so I ended up discovering different ways to play in this fun situation. I was learning classical guitar with Floriano Gomes and my uncle José Murray was living at home. We used to listen music and play together almost daily.

(TP)What was more difficult to do in that investigation and what gave you more pleasure? What can you tell us about that academy / career relationship? 

(DM)For me, what gives more pleasure is thinking, absorbing content. In addition, the exchange of ideas and to bring those thoughts things to musical results. The most difficult thing was writing. From my experience, the relationship academia / artistic career was great on the one hand and not so good on the other. The good side is to take advantage of the knowledge acquired for another step in my own musical practice: composition. My inner composer evolved a lot during Master studies. The downside is the lack of time, so you having just move away from being your own "producer" in unsent messages, calls that you didn’t have time to make and consequently fewer concerts. Because of that and other issues I don’t see myself doing a PhD at the moment. I don’t see myself with time to do it now.

(TP)Daniel, just to finish, what are your plans? How is your career... today, next year ...? 

(DM)My professional time is divided between working on the guitar, in my artistic projects, and classes at the Municipal School of Music[São Paulo City].In the first-half year, I recorded two solo albums: a music project by Egberto Gismonti, produced by him, and a Brazilian music album for the German label Acoustic Records, which will be released on a tour next November. With Egberto I’ve been working for about two years on this project, which contains everything I've already studied about him and something else; they are unpublished arrangements for compositions born and played by him at the piano (like Baião Malandro, Sete Anéis, Maracatu among others). Soon, CD and scores album(or link to download) should come out. I recorded some videos of this project last year. To whom to be curious can go to my channel on YouTube (https://www.youtube.com/channel/UCCfMyprSC-OoW-In8PGdRNQ) or Facebook (https://www.facebook.com/daniel.murray.56808). 

Another project that I recorded this year involves the following composers: Victor Assis Brasil, Ernesto Nazareth, João Pernambuco, Nelson Ayres, Edu Lobo, Heitor Villa-Lobos, Antonio Carlos Jobim, Guinga, Paulo Bellinati, José Murray and Egberto Gismonti and compositions mine. It’s a general overview of everything that I’ve been doing in this context and that I hadn’t had the opportunity to record – arranges that I made over the years, here and there. The result is a "panorama of Brazilian music". This is the one that will released by the German label (www.acoustic-music.de)and that provided with technical works and executive production bythe musician, guitarist and music producer Peter Finger. A tour with Michala Petri and Marilyn Masur is scheduled for 2019 with whom I recorded Brazilian Landscapes in Denmark. In the next plans I must return to my compositions as well as new partnerships and new projects with Trio Opus 12 and Duo Saraiva-Murray. 

(TP)Thank you very much! 

(DM)I appreciated! Big hug!

More:

Daniel Murray – Canção e Dança (1º Lugar "Concurso Novas 3")

https://www.youtube.com/watch?v=Q4V7uBiPKAY

Ladainha - Sílvio Ferraz 
https://www.youtube.com/watch?v=sSXMtvJAAlc

Quaderno - Flo Menezes
https://www.youtube.com/watch?v=6ROUQNJMnI4

Página Daniel Murray
https://www.danielmurray.com.br/

(Versión en Castellano) Búsqueda de las Sonoridades Parte 3 - Entrevista a Daniel Murray

 

El multifacético Daniel Murray. Foto: Gal Opido

En la conversación de hoy, hablo con Daniel Murray (São Paulo, 1981-), guitarrista multifacético, que posee una docena de trabajos fonográficos, de solista a la variada cámara y ... a la máquina - Murray ya trabajó la cuestión sonora principalmente por medio de la producción de los trabajos Universos sonoros para guitarra y Tape y Universos en Expansión. Con una Maestría en Música por la Unicamp, ese talentoso y premiado guitarrista es también compositor, presentándose en Brasil y regularmente en el extranjero. El artista moderno, Murray figura en plataformas digitales como MIDEM Festival y Classical:Next, está en muchas frentes en Internet y mantiene una pulsante carrera solista en paralelo a trabajos con el consagrado Trio Opus 12 (con Paulo Porto Alegre y Christian Dozza); en el Duo Saraiva-Murray y la continuidad del enfoque en música brasileña con Michala Petri (flauta dulce) y Marilyn Masur (percusión). Murray ha cruzado caminos con una sofisticada galería de nombres del escenario musical y su esfuerzo de producción artística se nutre de la mirada positiva y determinada sobre el presente y el futuro de la música instrumental y de concierto.

Teresinha Prada (TP) Daniel, ¿cuál es la importancia del Timbre en su técnica? En sus estudios / ensayos de obras, usted suele acercarse del Timbre?

Daniel Murray (DM) Para mí la búsqueda de la sonoridad aparece en el primer contacto con el material. Es lo que define digitaciones, por ejemplo. Creo que la digitación puede ser considerada uno de los aspectos fundamentales para la escoja de sonoridades. Así que, realizar una partitura ya digitada por otro intérprete significa vestir una "ropa que sirvió para el otro". Me parece interesante "vestirse esa ropa" a medida que nos provee pistas para entender cómo sería la interpretación del otro. Sin embargo, tal vez nos distancie de una interpretación personal que sería la comprensión musical expresada por el desdoblamiento de la sonoridad o timbre (la sumatoria de diversos elementos), y eso se revela a lo largo del tiempo. Creo que el tempo escogido influye en cómo percibimos el timbre – cómo articulamos los ritmos y donde tocamos las notas, considerando que en la guitarra existen diversas posibilidades. Cuando empiezo a estudiar una obra, paso por todo eso. Me parece muy bueno permitir experimentar varias posibilidades antes de tener algo muy definido. Me gusta escuchar todas las grabaciones disponibles. Para citar un ejemplo: En una obra como la Sequenza XI de Luciano Berio, es interesante percibir las diferencias del tiempo total de cada interpretación y cómo las versiones de color más violento son más cortas que las más contemplativas – fruto de escojas hechas al principio de la pieza, donde se encuentra el material que va a ser trabajado. La lectura de ese material y la comprensión del mismo a través del sonido y de la escoja de timbre influencian la duración total de esa interpretación, que es el desenrollar de la sonoridad. Todo está conectado.

(TP) ¿Cree que estudios de técnica extendida entrarán (¿o ya entraron?) para el rol de técnicas de guitarristas?

(DM) Creo que es una cuestión de tiempo para que surjan más métodos, piezas fáciles, nuevos "estudios sencillos" que aborden cuestiones musicales y técnicas no tan frecuentadas por los jóvenes estudiantes de "guitarra clásica". Creo que está en nuestras manos crear ese tipo de material. Creo que las llamadas "técnicas extendidas" entrarán en el rol de técnicas practicadas por todos; las que mejor funcionen o que puedan aplicarse no sólo a diversas composiciones y estudios como a la interpretación de otras partes del repertorio que eventualmente no prevean tales técnicas. Hasta poco tiempo, tocar con el pulgar de la M.I. (mano izquierda), digitando el diapasón no era común para guitarristas (dado que para guitarristas [del Clásico] es algo más recurrente, me estoy refiriendo al pulgar por encima del diapasón para tocar bajos mientras los otros dedos de la M.I. se ocupan de alguna melodía o acorde). Se encuentra este tipo de técnica como excepción y casi opcional en un Choro da Saudade de Agustín Barrios (a depender del tamaño de la mano o la guitarra) y algunos ejemplos (que se mencionan en los paréntesis anteriores) en el caso de los guitarristas–compositores del período Clásico (teniendo en cuenta también el cuerpo más pequeño de la guitarra "romántica"). No me acuerdo de encontrar en tablaturas del Renacimiento algo similar, pero no puedo afirmar. Entonces, hoy tenemos las maravillas realizadas con el pulgar de la M.I. por Guinga y Marcos Tardelli. Si todos empezamos a usar aquí y allí puede ser que tengamos un dedo 5 más pronto en un método como "Ciranda das Cordas" [método de principiantes muy conocido en Brasil, de Henrique Pinto]. Pero está realmente en nuestras manos.

(TP) ¿Qué puede usted decir acerca de las asociaciones, el juicio de valor de algunos sonidos, en relación con el público oyente? Usted que ya tocó ese repertorio innumerables veces y lugares - la extrañeza (de la recepción) persiste? ¿Ha percibido cambios?

(DM) En una actuación todo depende de su relación con el público. No se espera escuchar una sirena dentro de una sala de concierto – y este es un hecho increíble de Varèse. Es bueno que sea así. Esa es la idea. Algunos videos que he compartido en las redes sociales reciben comentarios increíblemente violentos de haters (yo creo que son personas desagradables que les faltan cosas para hacer). Tan violentos que no podría reproducir. Y hay quien diga que hoy ya no es posible recibir abucheos como fue del estreno de la Sagración. ¡No desanimes! Si todo va bien, llegaremos allá!

Haters aparte, prefiero la reacción (de desagrado, sorpresa o extrañeza) que la monotonía (de quien ya parece saber de todo lo que va a suceder). La música sale ganando. Tocar o trabajar música contemporánea con los niños es una experiencia maravillosa. Tuve la oportunidad de realizar 12 talleres a través del Proac [fomento gubernamental de cultura] con la pieza Happy days II de Arthur Kampela. Eran de 50 a 150 niños de escuelas públicas en diversos estados. Si se establece una buena relación todo se convierte en un gran juego lúdico. La tecnología por ejemplo es algo extremadamente atractivo. Después de la presentación de la pieza, les preguntaba "¿qué piensan?" Luego de un cierto momento de timidez varios sacaban la mejor palabra de su vocabulario del sombrero de copa. Alguna que otra vez uno que no le gustaba tenía el coraje de hablar. El comentario era siempre el mismo "¿dónde está el ritmo que yo estaba acostumbrado?" Y nunca de incomodidad con las asperezas de las sonoridades propuestas.

(TP) ¿Usted ha tenido dedicatorias y estrenos de muchas obras, cómo siente que la música del siglo XXI para la guitarra se establecerá? ¿Lo que se viene? Por ejemplo, trabajos muy singulares, fuertes, o un híbrido de varias vertientes ...

(DM) No sé responder esta pregunta. Me siento un privilegiado de poder trabajar con los autores. Todo lo que he grabado significó un paso adelante, un aprendizaje. Es la unión a través de la música que es muy bueno. El retorno, el feedback, es que no tiene que ser siempre positivo. Es una experiencia que hace con que usted se entiendas verdaderamente como intérprete. En cuanto a lo que viene por ahí, no sé responder, pero pretendo estar por aquí. 

(TP) Autores que utilizan el material sonoro en la guitarra en sus ideas composicionales adentran por una esfera de la investigación y práctica, que los hace conocer posibilidades del instrumento, yendo al encuentro o alejándose del lenguaje del instrumento. Como usted plantea esa cuestión del idiomatismo en las obras actuales – o incluso las históricas –  y si existe una relación de complejidad = menos idiomático ... o hay algo más allá de eso ...

(DM) El idiomático puede ser encontrado por el intérprete a través de sus aparatos técnicos. Volviendo un poco en la cuestión anterior, es como acaban siendo trabajadas las comisiones. El idiomatismo va cambiando así como las armonías, los ritmos, los instrumentos. Me parece difícil decir que esto puede definir el lenguaje de un compositor (menos o más complejo). Sin embargo, aquellos idiomatismos ya conocidos de otras épocas, cuando reutilizados, pueden hacer referencia a quienes los "creó" por así decir. Creo que el lenguaje para el compositor o intérprete es algo que se encuentra para poder expresar algo, que puede ser menos o más complejo.

(TP) Daniel, ¿y la academia? ¿Usted versó sobre música contemporánea en su Maestría [Técnicas estendidas para violão: hibridização e parametrização de maneiras de tocar, 2013, http://repositorio.unicamp.br/handle/REPOSIP/285299]. ¿Qué experiencia ya tenía antes de su tesis de Maestría con el tema de la técnica extendida para la guitarra?

(DM) Fue una experiencia increíble ser orientado por [José Augusto] Mannis en la Unicamp (Universidad de Campinas - São Paulo/Brasil). Estoy muy agradecido. Lo más difícil fue encontrar la manera correcta de escribir. En el final utilizamos fragmentos de videos y partituras aliados a la lista textual generada por la parametrización de los movimientos. Hemos hecho un análisis a través de la deconstrucción del gesto en listas y más listas de movimientos utilizados para pequeños fragmentos de las composiciones donde encontramos una mezcla de dos o más técnicas coordinadas. Mi experiencia anterior en ese sentido fue un trabajo de conclusión de curso en la FASM [Facultad Santa Marcelina - São Paulo/Brasil] titulado Epígrafe sobre un universo sonoro del siglo XXI. Creo que la primera pieza que yo he tocado que necesitaba hacer cosas diferentes del toque más tradicional fue un arreglo de la Valsa Brasileira de Edu Lobo y Jongo del Paulo Bellinati. En el arreglo del Paulo de la Valsa había una manera bastante personal de "hibridación" de armónicos artificiales y notas naturales. Tenía yo 14, 15 años de edad. Conocí la música de Flo Menezes también en esa época a través de mi primo Guga Murray que entonces estudiaba composición en UNESP [universidad estatal paulista]. Al escuchar los discos del Studio PanAroma me quedaba tratando de imitar algunos sonidos en la guitarra, así que acababa descubriendo diferentes maneras de tocar en esa broma. Aprendía guitarra clásica con Floriano Gomes y tenia mi tío José Murray morando en casa. Oíamos música y tocábamos juntos casi a diario.

(TP) ¿Qué fue más difícil hacer en esa investigación y lo qué te dio más placer? ¿Qué puede decirnos de esa relación academia / carrera artística?

(DM) Para mí, lo que da más placer es pensar, absorber contenidos. Además, el intercambio de ideas y traer esas cosas del pensamiento a resultados musicales. Lo más difícil fue escribir. De mi experiencia, la relación academia / carrera artística fue genial por un lado y no tan bueno por otro. El lado bueno fue aprovechar del conocimiento adquirido para un otro paso en mi propia práctica musical: la composición. Mi lado compositor evolucionó bastante durante la maestría. El lado malo es que falta tiempo, entonces usted acaba de alejarse de ser su propio "productor" en mensajes no enviadas, llamadas que no tenía tiempo de hacer y consecuentemente menos conciertos. Por esa y otras cuestiones no me veo haciendo un doctorado en el momento. No me veo con tiempo para hacerlo ahora. 

(TP) Daniel, para cerrar, ¿cuáles son sus planes? ¿Cómo está planeada su carrera hoy, el año que viene ...?

(DM) Mi tiempo profesional se divide entre trabajar en la guitarra, en mis proyectos artísticos y clases en la Escuela Municipal de Música (EMM, São Paulo). En este año, he grabado dos discos solistas: un proyecto de música de Egberto Gismonti, producido por él, y un disco de música brasileña para el sello alemán Acoustic Records, que se lanzará en una gira en noviembre próximo. Con Egberto vengo trabajando cerca de dos años en este proyecto, que encierra todo lo que ya he estudiado de él y algo más; son arreglos inéditos para composiciones que nacen y son interpretadas por él al piano (como Baião Malandro, Sete Anéis, Maracatu entre otras). Luego más debe salir disco y álbum de partituras (o link para descargar). He grabado algunos vídeos de este proyecto el año pasado. A quien tener curiosidad puede irse a mi canal en YouTube (https://www.youtube.com/channel/UCCfMyprSC-OoW-In8PGdRNQ) o Facebook (https://www.facebook.com/daniel.murray.56808).

Otro proyecto que se registró aun este año envuelve los siguientes compositores: Victor Assis Brasil, Ernesto Nazareth, João Pernambuco, Nelson Ayres, Edu Lobo, Heitor Villa-Lobos, Antonio Carlos Jobim, Guinga, Paulo Bellinati, José Murray además Egberto Gismonti e composiciones mías. Es un recuento general de todo lo que he venido realizando en este sentido y que no había tenido la oportunidad de grabar. Fueron arreglos que yo hizo a lo largo de los años, aquí y allá. El resultado es un "panorama de la música brasileña". Este es el que será lanzado por el sello alemán [ www.acoustic-music.de ] y contó con los trabajos técnicos y producción ejecutiva del músico, guitarrista y productor musical Peter Finger. Está prevista para 2019 una gira con Michala Petri y Marilyn Masur con quienes grabé en Dinamarca Brazilian Landscapes. En los próximos proyectos debo volver a mis composiciones además de nuevas alianzas y nuevos proyectos con Trio Opus 12 y Duo Saraiva-Murray.

(TP) ¡Muchas  gracias !

(DM) ¡Qué agradezco! ¡Gran abrazo!

Más

Daniel Murray – Canção e Dança (1º Prémio "Concurso Novas 3")

https://www.youtube.com/watch?v=Q4V7uBiPKAY

Ladainha - Sílvio Ferraz
https://www.youtube.com/watch?v=sSXMtvJAAlc

Quaderno - Flo Menezes
https://www.youtube.com/watch?v=6ROUQNJMnI4  

Página Daniel Murray
https://www.danielmurray.com.br/